#7 – March 2020

Sofia Gotti on Yuli Yamagata's

Milho na manteiga.

Yuli Yamagata, Milho na manteiga, 2019, Lycra, sewing thread, silicone fiber, 100 × 110 × 32 cm, unique

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Learning from Art when Coping with a Pandemic: Yuli Yamagata’s use of Softness The distinctive attribute of Yuli Yamagata’s recent works is softness. Either lone-standing sculptures or mounted on stretchers that go on the wall, they are made of multi-coloured synthetic fabric sewn together and stuffed. Softness, is a key departure point to place the artist’s work in relation to historic Brazilian art. It can also become a tool to understand the unfolding of certain social dynamics during this time of isolation caused by the COVID-19 pandemic.

When looking at Yamagata’s work, I am instantly reminded of the padded cloth elements characteristic of several 1960s Brazilian artworks. Anna Maria Maiolino’s Glu Glu Glu (1967) or Antonio Dias’ Nota Sobre a Morte Imprevista (Note on an unforeseen death, 1965), were made in the early years of the military dictatorship that lasted until 1985 in Brazil [I]. The iconic Glu Glu Glu, is an anthropomorphic figure entirely made of stuffed fabric painted in acrylic. It has a blue head with an open, red lipped, toothed mouth, and an exposed digestive system below it. Highlighting a disconnection between mind and body, this work also makes reference to Antropofagia. This historic cultural movement drew inspiration from cannibalistic practices to reinvent Brazil’s cultural identity. The anthropophagite ought to devour foreign cultures, digest and re-elaborate them into something new and authentically Brazilian. Nota Sobre a Morte Imprevista is representative of Dias’ output in those years. It is a painting of comics-inspired imagery of skulls and atomic bomb clouds, with at its bottom a fleshy stuffed fabric shrine containing a blood stain, dense with sexual innuendo. The works were made under the aegis of Nova Objetividade Brasileira or Novo Realismo, two denominations used by artists to differentiate their artistic production from international iteration of Nouvelle Figuration (France), or Otra Figuración (Argentina) to name just two international counterpoints. Living in such uncertain political times, the artists’ intent was to deploy art against traditionalism, and to foster new ways of looking at, and experiencing culture. It’s interesting to note how softness was a formal element used by artists during such a hard period of Brazil’s history. This curious synchronicity in the use of softness by Maiolino, Dias and Yamagata, establishes a connection between disparate times of crisis.

Amongst Yamagata’s most recent pieces, Milho na manteiga (Corn in butter, 2019), is a one and a half meter long stuffed lycra and silicone fibre corn cobb mounted on a pedestal. Large bright yellow (butter) drops are dribbling down its sides. The sculpture plays on the aesthetic of those mass produced and incredibly soft synthetic stuffed toys. It seems to want us to squeeze and hug it. In addition, the corn cobb covered in butter is one of the most commonly consumed foodstuffs in the Americas, making it a familiar and homely sight to many (Yamagata also made Pizzas, another mass-consumed food stereotype). By formalising the edible/familiar subject matter with soft padded materials, Yamagata succeeds in making the work a catalyst for bodily sensations connected to eating, squeezing, touching. When looked at in relation to Maiolino’s Glu Glu Glu, Yamagata’s works echo the anthropophagic idea of consumption, and its role in the formulation of culture.

Besides food, Yamagata often represents segments of the body: mouths, fingers, heads, ears, hands. Her aesthetic is consistently multi-coloured, voluptuous, and sensual. Works such as Untitled (Mouths), Chiclete (Bubble gum) and French Kiss (all 2019), present mouths kissing, exchanging saliva, chewing gum or smoke in a soft phantasmagoria of colour, flesh, teeth, tongue and lips. Like corn and pizza, images of kissing are ubiquitous and familiar. Similarly, the images we see in Dias’ work of skulls, soldiers and bombs had been made anodyne by the media in the 1960s. While Dias juxtaposed soft elements to images symbolic of the dictatorship seeking to involve the spectator in a corporeal way, Yamagata uses softness to revive the viewer’s engagement towards sensual images that have become normalised.

During the home arrest we are experiencing to combat the spread of COVID-19, consumption patterns of commercial goods, mass-media, culture, news, have radically changed. Because we cannot go out shopping like we used to, we cannot visit museums, if not virtually, we cannot go to our workplaces or meet our friends, life has become even more reliant on technology, and our prime interface is now more than ever the screen. Our social media newsfeeds proliferate images of food, empty supermarkets, people cooking, of gathering on party apps, livestreaming conversations or debates. This trend goes to show how even eating, meeting colleagues, family or friends, have transformed further into actions consumable through technology – and devoid of corporeality. When examined in relation to today’s context, Yamagata’s works thrive upon a tension between a simultaneously nauseating and alienating overexposure to consumption (pre and post-virus) and a healthy longing for physical contact. Her soft sculptures alert us not to disconnect our minds from our bodies, and to continue feeling both the nausea and longing.

Dr. Sofia Gotti is a scholar and curator, currently the Leverhulme Early Career Fellow at the University of Cambridge. Her research focuses on feminist art practices in South America and Italy. She has worked with organisations including The Feminist Institute, FM-Centre for Contemporary Art, Tate Modern and the Solomon R. Guggenheim Foundation. Her writing is published in books, academic journals and magazines internationally.

[I] There is a poignant parallelism between Yamagata’s small ear-shaped sculpture Cinzeiro (Ashtray, 2019) and the large stuffed canvas ear by Maiolino titled Pssiu!... (1967, also called The Ear, which has been lost) exhibited in Nova Objetividade Brasileira that year. Maiolino’s work reflected on the omnipresent paranoia amongst intellectuals of being intercepted by the authorities when speaking on the phone. Conversely, Yamagata’s sculpture reflects on consumption through her distinctive physical iconography of excess.

PT

Aprendendo com a arte ao lidar com uma pandemia: o uso da suavidade por Yuli Yamagata A suavidade é o atributo distintivo dos trabalhos mais recentes de Yuli Yamagata. Esculturas de vulto ou montadas em grades que se penduram na parede, são feitas de tecido sintético multicolorido, costurado e enchido. Suavidade, é um ponto de partida importante para situar o trabalho da artista em relação à história da arte brasileira. Também pode tornar-se uma ferramenta para entender o desenvolvimento de determinadas dinâmicas sociais durante este período de isolamento causado pela pandemia do COVID-19.

Ao olhar para o trabalho de Yamagata, lembro-me instantaneamente dos elementos de tecido acolchoado característicos de várias obras de arte brasileiras dos anos 1960. Glu Glu Glu (1967), de Anna Maria Maiolino, ou Nota Sobre a Morte Imprevista, de António Dias, foram feitas nos primeiros anos da ditadura militar que durou até 1985 no Brasil [i]. O icónico Glu Glu Glu, é uma figura antropomórfica inteiramente feita de tecido enchido e pintado em tinta acrílica. Tem uma cabeça azul com a boca aberta, lábios vermelhos e dentes e um sistema digestivo exposto abaixo dela. Destacando uma desconexão entre corpo e mente, este trabalho também faz referência à Antropofagia. Esse movimento cultural histórico inspirou-se em práticas canibais para reinventar a identidade cultural do Brasil. O antropofagita deve devorar culturas estrangeiras, digeri-las e reinventá-las em algo novo e autenticamente brasileiro. Nota Sobre a Morte Imprevista é representativa da produção de Dias naqueles anos. É uma pintura inspirada em banda desenhada, com imagens de caveiras e nuvens de bombas atómicas, por baixo, em tecido enchido, tem um santuário de onde escorre uma mancha de sangue, denso e com insinuações sexuais. As obras foram feitas sob a égide da Nova Objetividade Brasileira ou Novo Realismo, duas denominações usadas pelos artistas para diferenciar a sua produção artística da iteração internacional da Nouvelle Figuration (França) ou Otra Figuración (Argentina), para citar apenas dois contrapontos internacionais. Ao viver em tempos políticos tão incertos, a intenção dos artistas era implantar arte contra o tradicionalismo e promover novas maneiras de ver e experimentar a cultura. É interessante notar como a suavidade era um elemento formal usado pelos artistas durante um período tão difícil da história do Brasil. Essa sincronicidade curiosa no uso da suavidade por Maiolino, Dias e Yamagata estabelece uma conexão entre tempos díspares de crise.

Entre as peças mais recentes da Yamagata, Milho na manteiga, 2019, (é) um tecido de lycra recheado de um metro e meio de comprimento e uma espiga de milho de fibra de silicone montada num pedestal. Grandes gotas amarelas brilhantes (manteiga) escorrem pelos lados. A escultura reproduz a estética daqueles brinquedos de peluche sintéticos incrivelmente macios produzidos em massa. Parece que queremos apertá-lo e abraçá-lo. Além disso, a espiga de milho coberta de manteiga é um dos alimentos mais consumidos nas Américas, tornando-a uma visão familiar e caseira para muitos (Yamagata também fez Pizzas, outro estereótipo de alimentos consumidos em massa). Ao formalizar o assunto comestível / familiar com materiais macios, Yamagata consegue transformar o trabalho num catalisador de sensações corporais relacionadas aos atos de comer, apertar e tocar. Quando observados ​​em relação a Glu Glu Glu de Maiolino, os trabalhos de Yamagata ecoam a ideia antropofágica de consumo e o seu papel na formulação da cultura.

Além de comida, Yamagata geralmente representa segmentos do corpo: bocas, dedos, cabeças, ouvidos, mãos. A sua estética é consistentemente multicolorida, voluptuosa e sensual. Obras como Untitled (Mouths), Chiclete (Bubble chiclete) e French Kiss (todos de 2019) apresentam bocas a beijar-se, a trocar saliva, a mascar pastilha elástica ou fumo em uma fantasmagoria suave de cor, carne, dentes, língua e lábios. Como milho e pizza, imagens de beijo são omnipresentes e familiares. Da mesma forma, as imagens que vemos no trabalho de Dias sobre caveiras, soldados e bombas haviam sido transformadas em anódinas pelos media na década de 1960. Enquanto Dias justapunha elementos suaves a imagens simbólicas da ditadura que procuravam envolver o espectador de maneira corporal, Yamagata usa a suavidade para reviver o envolvimento do espectador com imagens sensuais que foram normalizadas.

Durante esta prisão domiciliária que estamos a enfrentar para combater a disseminação do COVID-19, os padrões de consumo de bens comerciais, meios de comunicação, cultura, notícias mudaram radicalmente. Como não podemos fazer compras da forma que fazíamos, não podemos visitar museus, a não ser virtualmente, não podemos ir aos nossos locais de trabalho ou encontrar os nossos amigos, a vida tornou-se ainda mais dependente da tecnologia e o nosso interface principal é agora mais do que nunca o ecrã. Nos nossos feeds de notícias das redes sociais proliferam imagens de comida, supermercados vazios, pessoas a cozinhar, encontros em aplicações de festas, conversas ou debates em videoconferência. Esta tendência mostra como mesmo comer, conhecer colegas, familiares ou amigos se transformaram ainda mais em ações consumíveis por meio da tecnologia - e desprovidas de corporalidade. Quando examinados em relação ao contexto de hoje, os trabalhos de Yamagata prosperam com a tensão entre uma superexposição simultânea e nauseante e alienante ao consumo (pré e pós-vírus) e um desejo saudável de contato físico. As suas esculturas suaves alertam-nos para não desconectarmos as nossas mentes dos nossos corpos e continuarmos a sentir tanto a náusea como a saudade.

Dra. Sofia Gotti é académica e curadora, atualmente na Universidade de Cambridge, bolseira pela Leverhulme Early Career. A sua investigação concentra-se nas práticas de arte feminista na América do Sul e em Itália. Trabalhou com organizações como o Instituto Feminista, o FM-Center for Contemporary Art, a Tate Modern e a Fundação Solomon R. Guggenheim. Os seus textos são internacionalmente publicados em livros, revistas académicas e revistas.

[i] Existe um paralelismo pungente entre a pequena escultura em forma de orelha de Yamagata, Cinzeiro, 2019 e a grande orelha de lona recheada de Maiolino intitulada Pssiu! ...,1967 (também chamada de A Orelha, que foi perdida) exibida na Nova Objetividade Brasileira nesse ano. O trabalho de Maiolino refletiu sobre a paranóia omnipresente entre os intelectuais de serem intercetados pelas autoridades ao falar ao telefone. Por outro lado, a escultura de Yamagata reflete sobre o consumo por meio da sua distinta iconografia física de excesso.