Enzo Cucchi (Morro d'Alba, Ancona, Itália. 1949)

Enzo Cucchi nasceu em Morro d’Alba (Ancona, tália) em 1949, e vive e trabalha em Roma. No final dos anos ’70 Cucchi tornou-se uma figura líder do movimento da Transvanguarda, um termo cunhado pelo crítico e curador Achille Bonito Oliva, para definir a reintrodução da figuração na pintura e escultura, como reação ao minimalismo e rigor conceptual. O grupo era formado por Cucchi, juntamente com Sandro Chia, Francesco Clemente, Nicola De Maria, e Mimmo Paladino. O movimento tornou-se conhecido internacionalmente em 1980, com uma exposição itinerante que passou pela Kunsthalle Basel, pelo Folkwang Museum em Essen e pelo Stedelijk Museum em Amsterdão, e ainda pela sua participação na Documenta 7 em 1982.
Desde os anos '70 Cucchi apresentou numerosas exposições em instituições como Stedelijk Museum, Amsterdam em 1983, The Solomon R. Guggenheim Museum, New York em 1986, Musee National d'Art Moderne Centre Georges Pompidou, Paris em 1986, Städtische Galerie im Lenbachhaus, München em 1987, Wiener Secession, Wien em 1988, Hamburger Kunsthalle, Hamburg em 1992, Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea em Turin, 1993, Sezon Museum of Art, Tokyo em 1996, Deichtorhallen Hamburg, Hamburg em 1999, Tel Aviv Museum of Art, Tel Aviv em 1999 e 2001, e na Academie de France à Rome, Villa Medici, Roma em 2006.

IT

“Ex terra factum” è l’etimologia latina inventata da Alberto Savinio, con la sua abilità di trasfigurazione fulminea del linguaggio verbale in immagine, del lessema “esterrefatto”. La definizione compare in uno scritto giovanile, intitolato Psicologia dello stupore, in cui l’autore afferma: “espressivamente il linguaggio dà l’idea dello stupore mediante immagini dell’uomo ridotto a materia: diventare di sasso, esterrefatto, fatto di terra, ecc.”[1]. La maccheronica etimologia non si riferisce tanto alla subitanea metamorfosi innescata in colui che guarda dallo stupore suscitato da una particolare realtà fenomenica, bensì suggerisce la natura di tipo partecipativo del rapporto dell’uomo con la materia del mondo delle cose. Un mondo che, anche se inorganico, non è mai inanimato e inerte, ma “fantasmico”, vale a dire acceso da un senso di enigma che serpeggia sotto l’opaco velo di ignoto con cui si presenta all’uomo, lasciando percepire un sentore della sua piena vitalità: l’aria gremita di presenze, il paesaggio ricco di leggende sedimentate nel sottosuolo, gli oggetti che bisbigliano tra loro, persino le statue che conservano sotto il candore del marmo il colorito della carne.
Per Savinio, l’artista autentico deve auscultare questa realtà profonda, sintonizzarsi con essa, prendervi parte, senza trascenderla in nome di un ideale, poiché inesauribile è già il contenuto della fisicità del quotidiano. “L’arte richiede la ‘permanenza sulla terra’. Un artista serio, degno di questo nome, non sconfina dalla terra, non evade, non èsula, ma sulla terra, nelle cose terrestri e a portata di mano trova mistero e lirismo, stupore e profondità”[2].
 
L’opera di Enzo Cucchi nasce sotto l’impulso della meraviglia, uno stimolo imposto da un’immagine folgorante che non preesiste alla pittura, ma le è consustanziale: la pittura dà corpo a una visione sbocciata dalla realtà circostante, che è il risultato di una percezione complessa, non affidata esclusivamente alla vista, ma captata da organi sensibili che agiscono nell’artista come le antenne per un insetto, la coda per un cane o un gatto[3].
Il serbatoio visivo a cui Cucchi attinge è alimentato dalla geografia dell’Italia centrale: il paesaggio delle Marche, sua regione natìa, col mare Adriatico da una parte e l’operosa campagna collinare dall’altra, dove la spiritualità e la magia legate alla civiltà contadina persistono latenti. Altra fonte di immagini è Roma, dove l’artista risiede, alternandovi i soggiorni marchigiani, dalla fine degli anni Settanta; Roma, città palinsesto, dove al rumore dei passi fa eco l’antico, con i suoi miti e le sacre leggende coricati sotto l’asfalto. Non è solo il repertorio iconografico a essere radicato nella terra: da essa traggono linfa il segno sciolto e l’impasto della pittura, il gesto che plasma e graffia la scultura in ceramica o in bronzo. Non è un caso che tra gli artisti del passato prediletti da Cucchi vi sia Masaccio, per il suo realismo, per il suo straordinario sentimento dell’universo, tradotto in un’opera basata su una manciata di idee semplici, come quella di “mettere un uomo in piedi per terra, che è quello che faccio quando mi sveglio al mattino – cioè metto i miei piedi per terra”[4].
 
Sebbene figurativa, l’opera di Cucchi aderisce alle cose senza mai diventare narrazione. Affine alla poesia, essa trasmette a chi la osserva l’eccitazione percettiva dell’artista, ricreata dalla scintilla prodotta dall’urto di elementi discreti, riuniti sulla tela, ma che si staccano dal continuum dello sfondo, generando sospensioni visive cariche di tensioni. Si tratta della trasposizione in pittura di un’esperienza vissuta dall’artista, di enigmi e tensioni percepiti come elementi di alterazione e resistenza al flusso del reale, che hanno esercitato sull’artista una fascinazione insopprimibile, ben espressa in un suo verso: “Ci sono tanti spiriti nell’aria e tante ombre sulle cose è l’arte che chiama e fa segno”[5].
Secondo Daniel Arasse[6], nel suo studio sul dettaglio nella storia dell’arte, sono proprio i dettagli, particolari brani di pittura individuati all’interno di composizioni più grandi, ad attirare l’attenzione, a fare segno all’osservatore, a esigere uno sguardo diverso. Autonomi rispetto all’insieme del dipinto, tanto da sembrare talvolta appartenenti a un’epoca diversa da quella del proprio autore, questi dettagli “rivelatori” possiedono un carattere universale, invitano a una percezione ravvicinata e intima. Essi sono un elemento di intensificazione emotiva che trattiene lo sguardo del fruitore e lo distoglie dalla visione d’insieme, creando un’interruzione, uno scarto che rompe la narrazione e scompagina il dispositivo della rappresentazione.
 
Il gruppo di lavori di piccolo formato, realizzato da Cucchi nel 2017-18, possiede il potere intrinseco del dettaglio “rivelatore” descritto da Arasse: emotivamente intense, le tele sono autonome, eppure potrebbero essere state ritagliate da una composizione più ampia (“dettaglio” presuppone un taglio, anche etimologicamente).
I tre dipinti appartenenti a questa produzione esposti da Madragoa inquadrano porzioni di quelli che si è incerti se chiamare corpi umani o statue, ricorrendo a un close-up che circoscrive l’immagine in una dimensione sospesa, ambigua, come se fosse messa tra parentesi. In ciascuno, il corpo è associato a un elemento estraneo alla composizione, un accostamento frutto di un’epifania, un microcosmo formato dall’incontro di elementi provenienti da contesti semantici diversi, ma anche di materia pittorica e extrapittorica.
Osservo mostra un frammento di quella che a prima vista sembra la scena di una deposizione: nell’inquadratura compaiono due gambe e una mano con le stigmate, a cui si sovrappone la figura di un uccello blu che risalta sul corpo esangue, reso con una tinta grigia metallica che ne enfatizza la durezza scultorea. Tuttavia le gambe possiedono una tensione muscolare che contrasta con la posa inerte della supposta deposizione e la loro posizione accavallata, a ben guardare, si rivela impossibile. L’impiallacciatura che taglia il dipinto a sinistra introduce a una visione intima, come se avvenisse attraverso una finestra, stabilendo un ponte tra la realtà effettiva e la superficie del quadro; la sua presenza allude inoltre a un tratto di cornice, rimarcandone la dimensione parziale. L’impiallacciatura compare anche in Sospeso, in cui due gambe speculari riflettono una serie di contrasti: bianco e nero, vuoto e pieno, luce e ombra, frontale e posteriore, mentre i due colombi legati al polpaccio, come due armi innocue, rimandano con ironia alla figura di un Mercurio a risposo. Il terzo dipinto, Senza titolo, inquadra il bacino di una morbida scultura classica, ombreggiata di viola, nella cui parte mutila si annida un piccolo teschio. L’elemento extrapittorico è costituito da un ritaglio di tela bianca sovrapposto alla tela grezza che fa da sfondo alla composizione, ancora una tangibile proiezione verso la dimensione reale, che in questo caso evoca un panneggio, forse appeso al quadro dal suo stesso nudo protagonista.
In Senza titolo (2018) è la scultura stessa a proiettarsi nel mondo reale, trasformando l’intera galleria nel proprio supporto. Protesa nell’aria, la scultura materializza un’epifania, l’apparizione di una figura ammantata, con le mani giunte, che rinvia subito all’immagine connotata e religiosa della Vergine. Eppure anche questa figura dall’apparenza familiare è trasformata da Cucchi in un’immagine ambigua e straniante, sovrapponendo alle fattezze con cui la Vergine è consuetamente raffigurata l’immagine di un gatto, facendo così lo sgambetto a un’iconografia popolare e rassicurante, che è messa in attesa, in pausa, sospesa, non solo in senso metaforico. La scultura rimanda agli ibridi di uomo e animale provenienti dall’accesa fantasia medievale, e somiglia ad alcune raffigurazioni incise sulle campane bronzee prodotte nell’Italia del nord nel Trecento. Realizzata in bronzo con patina bagno d’argilla, la scultura sembra fatta di terra e si protende in senso orizzontale nell’aria, il cielo le fa da sfondo mentre per terra è proiettata la sua ombra. Dall’alto fa segno al passante, lasciandolo esterrefatto.
 
 Sara De Chiara

Enzo Cucchi
2019
installation view at Madragoa, Lisbon






Enzo Cucchi
2019
installation view at Madragoa, Lisbon






Enzo Cucchi
2019
installation view at Madragoa, Lisbon





Enzo Cucchi
Untitled
2018
Bronze
80 x 25 x 20 cm
unique





Enzo Cucchi
Untitled
2018
Bronze
80 x 25 x 20 cm
unique





Enzo Cucchi
2019
installation view at Madragoa, Lisbon





Enzo Cucchi
2019
installation view at Madragoa, Lisbon





Enzo Cucchi
Untitled
2017-2018
Oil on canvas
37,5 x 25,5 cm
unique





Enzo Cucchi
Untitled
2017-2018
Oil on canvas
37,5 x 25,5 cm
unique





Enzo Cucchi
2019
installation view at Madragoa, Lisbon





Enzo Cucchi
SOSPESO
2018
oil and veneer on board
30 x 27 cm
unique





Enzo Cucchi
SOSPESO
2018
oil and veneer on board
30 x 27 cm
unique





Enzo Cucchi
OSSERVO
2018
Oil and veneer on board
30 x 27 cm
unique





Enzo Cucchi
OSSERVO
2018
Oil and veneer on board
30 x 27 cm
unique