— 2016 - Madragoa

ADRIÁN BALSECA
The Skin of Labour

23 November 2016 - 13 January 2017

Madragoa is delighted to present The Skin of Labour, the first solo exhibition by Adrián Balseca at the gallery.

In The Skin of Labour, the artist composes an uncertain landscape depicting a rubber plantation in the Ecuadorian Amazon. The latex collecting vessels have taken the shape of a hand, resembling a glove, a phantasmagorical presence that embodies the historical labour relations in the region. The project, consisting of a 16mm film accompanied by photographs and an object, inquires about the core values that underlie human exploitation of nature, and reflects upon the impact of the technification of labour. The artist reads into the present legacy of a prolonged extractivism in the vital territory of the Amazon, evoking the skin as a protection mechanism, as much as a paradigm of fragility in a living system.

Geographer and mathematician Charles Marie de La Condamine, who was part of the French Geodesic Mission that measured the length of a degree of latitude at the Equator, presented the first scientific paper on rubber in 1751. He was the first Westerner to witness the Indigenous population’s various uses of latex in present-day Ecuador, and to send the first rubber samples to Europe. The same territory where La Condamine did his findings would later endure a history of ruthless and violent extraction, particularly during the rubber boom between 1879 and 1912. This period coincides with and is directly related to the Second Industrial Revolution, which demanded vast amounts of different prime materials. Although happening at the same time, the rubber boom and the technological revolution pertained to two different spatialities. Precarious slavery relations were the norm at extraction sites, while the production of goods witnessed a fast technification of manual labour.

The extractivism agenda in the Amazon today has moved on from tapping Hevea Brasiliensis trees to drilling for oil, shifting from vegetal extraction by hand to fossil extraction by machines. This change is integrated in the project by the use of butyl rubber for the “gloves,” a synthetic latex made from petroleum by-products, raising questions about the possible uses of the territory, the transformations in the landscape, and the uncertain future of local uncontacted communities. The work underlines the abysmal gap between our collective imaginary, which relates the Amazon to the idea of ultimate idyllic nature, and our systematic drive to conquer and exploit this territory, in a world with reconfigured production forces and labour relations and on the verge of planetary urbanization.

Ana Sophie Salazar

Adrián Balseca (Quito, Ecuador, 1989) lives and works in Quito. His most recent group exhibitions include: ‘Ultralocal. Cycle: Think global, act local’, CEAAC, Strasbourg (2016); ‘Premio Nacional Nuevo Mariano Aguilera 20152016’, CACQuito (2016); ‘Encuentros del Otro Cine EDOC 15’, Quito (2016); ‘Encuentro Internacional de Arte de Medellin MDE15, Museo de Antioquia’, Medellin (2015); ‘Intersecciones (después de Lautréamont)’, Cisneros Fontanals Art Foundation Grants & Commissions Program Exhibition, Miami (2015); ‘Caja de Cambios I’, Galería SENDA, Barcelona (2014). In 2013, he won the inaugural Premio Brasil – Emerging Art Prize, at the Center for Contemporary Art Quito (CAC) and in 2014 he received the Premio Paris at the 12th International Cuenca Biennial: Leaving to return. He was awarded the annual Grants & Commissions Program 2015, at the Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO). At the moment, Balseca is working on his new project commissioned by the Zarigüeya/Alabado Contemporáneo at the Casa del Alabado Museum of Pre-Columbian Art, opening in 2017.

A Galeria Madragoa tem o prazer de apresentar The Skin of Labour, a primeira exposição individual de Adrián Balseca na galeria.
Em The Skin of Labour, o artista compõe uma paisagem de uma plantação de borracha na Amazônia equatoriana. Os vasos coletores de látex tomam a forma de uma mão, semelhante a uma luva, uma presença fantasmagórica que incorpora as históricas relações de trabalho na região. O projecto, constituído por um filme de 16mm, acompanhado de fotogra as e um objeto, indaga sobre os valores fundamentais que sustentam a exploração humana da natureza, e reflete sobre o impacto da tecnificação do trabalho. O artista olha para o evidente le- gado de uma acção prolongada de extrativismo em território vital da Amazónia, evocando a pele como um mecanismo de proteção, tanto quanto um paradigma de fragilidade em um sistema vivo.
O Geógrafo e matemático Charles Marie de La Condamine, que fez parte da Missão Geodésica Francesa que mediram o comprimento de um grau de latitude no equador, apresentou o primeiro trabalho científico sobre a borracha em 1751. Ele foi o primeiro ocidental a testemunhar os vários usos que a população indígena tinha para o látex, no Equador, e a enviar as primeiras amostras de borracha para a Europa. O mesmo território onde La Condamine fez suas descobertas veio mais tarde a ser o palco de uma história de extração violenta e cruel, particularmente durante o boom da borracha entre 1879 e 1912. Este período coincide com e está directamente relacionado com a Segunda Revolução Industrial, que exigiu grandes quantidades de diferentes matérias-primas. Embora acontecendo ao mesmo tempo, o boom da borracha e a revolução tecnológica pertencem a duas conjunções diferentes. As relações de escravidão precárias eram a norma em locais de extracção, enquanto a produção de bens testemunhou uma tecnificação rápida do trabalho manual.
O plano de extrativismo na Amazónia de hoje passou de fazer incisões em árvores Hevea brasiliensis para a perfuração de petróleo, passando de extração manual de um produto vegetal para uma extração de combustíveis fóssil por máquinas. Esta mudança está integrada no projecto através da utilização de borracha butílica para as “luvas”, um látex sintético feito a partir de derivados de petróleo, levantando questões sobre os possíveis usos do território, as transformações na paisagem, e o futuro incerto das comunidades locais isoladas. O trabalho sublinha a diferença abismal entre o nosso imaginário coletivo, que relaciona a a Amazónia com a ideia de natureza idílica, e nossa ambição sistemática para conquistar e explorar este território, em um mundo com forças de produção e relações de trabalho reconfiguradas, na iminência de uma urbanização global.

Ana Sophie Salazar

Adrián Balseca (Quito, Ecuador, 1989) vive e trabalha em Quito. As suas mais recentes exposições incluem: ‘Ultralocal. Cycle: Think global, act local’, CEAAC, Estrasburgo (2016); ‘Premio Nacional Nuevo Mariano Aguilera 20152016’, CACQuito (2016); ‘Encuentros del Otro Cine EDOC 15’, Quito (2016); ‘Encuentro Internacional de Arte de Medellin MDE15, Museo de Antioquia’, Medellin (2015); ‘Intersecciones (después de Lautréamont)’, Cisneros Fontanals Art Foundation Grants & Commissions Program Exhibition, Miami (2015); ‘Caja de Cambios I’, Galería SENDA, Barcelona (2014). Em 2013, ganhou a primeira edição do Prémio Brasil – Arte Emergente, no Centro de Arte Contemporânea de (CAC) e em 2014 recebeu o Prémio Paris na 12ª Bienal Internacional de Cuenca: Leaving to return. Foi-lhe atribuída a a bolsa anual Grants & Commissions Program 2015, na Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO). Neste momento, está a trabalhar no seu novo projecto comissariado por Zarigüeya/Alabado Contemporáneo na Casa del Alabado, Museu de Arte Pré-Colombiana, que inaugura em 2017.

Adrián Balseca
The Skin of Labour
2016
installation view

Adrián Balseca
The Skin of Labour
2016
installation view

Adrián Balseca
The Skin of Labour
2016
installation view

Adrián Balseca
The Skin of Labour
2016
digital print on Ilford paper
27 x 36 cm
edition of 5 + 1AP

Adrián Balseca
The Skin of Labour
2016
digital print on Ilford paper
27 x 36 cm
edition of 5 + 1AP

Adrián Balseca
The Skin of Labour
2016
butyl rubber
65 x 10 cm
edition of 10 + 2AP

Adrián Balseca
The Skin of Labour
2016
butyl rubber
65 x 10 cm
edition of 10 + 2AP

Adrián Balseca
The Skin of Labour
2016
digital print on Ilford paper
27 x 36 cm
edition of 5 + 1AP

Adrián Balseca
The Skin of Labour
2016
digital print on Ilford paper
27 x 36 cm
edition of 5 + 1AP

Adrián Balseca
The Skin of Labour
2016
digital print on Ilford paper
27 x 36 cm
edition of 5 + 1AP

JOANNA PIOTROWSKA
Frantic

29 September – 5 November

Madragoa is delighted to present Frantic, the first solo exhibition by Joanna Piotrowska at the gallery.
Young children think that closing or covering their eyes makes them invisible to others. This simple, introverted gesture, that responds to an instinctive desire to hide themselves, is then projected into the real domestic space, where children take refuge in small places enfolding them, to feel protected but also to define their first spaces of autonomy and identity. Since we were kids, we used to carve out in our house, even in our room, a corner elected to be an asylum for our imagination and where to build a shelter, a cozy and off-limits place where we could dream and play. Michel Foucault included this kind of “localized utopias” that children know very well – like the bottom of the garden, the Indian tent erected in the middle of the attic, or the parent’s great bed – under the broader concept of heterotopia, recognising in these “other” spaces discrete areas that mark interruptions in the space-time flow, revealing the illusory nature of reality and undermining the coherence of its systems.

The practice of building refuges does not completely end with childhood: as adolescents and adults we keep claiming for an intimate space where we can be in solitude, read a book, listen to our favourite music, or just rest. At the very opposite of kids’ playful and spontaneous attitude, the construction of shelters is the expression of an urgent need for immigrants and homless people searching for a lair in the rips of the urban fabric.
Joanna Piotrowska’s new project develops from a reflection on these diverse urges and purposes that lead to the erection of provisional huts meant to protect us, even at home, a private place which should already provide security and freedom.

The photographs of Frantic document a series of temporary shelters built inside different households, using all sort of materials found in these same homes. The shootings took place in Lisbon, where Joanna Piotrowska involved local people to erect inside their own apartments or gardens a tent, a shelter they could inhabit, using furnitures for the structure and selecting personal objects they would live with. The result is a series of different environmental assemblages that look like their authors: some are solid and minimal, some are complicated and fragile, giving the impression they can collapse at any time. While these temporary constructions represent abstract places, all the elements that shape this small-sized kind of Merzbau work as precise clues to the status, taste, lifestyle and interests of the portrayed person. The presence of their creators inside these shelters, the bodies that barely fit in it, reveal them to be traps rather than comfortable places. The photographs strengthen this contrast: the charming atmosphere evoked by these ephemeral, absurd, constructions become disturbing when the person is present. Their disarticulated poses and the peculiar artist’s use of the flash, that flattens the image, render the human bodies as inanimate objects, entangled in the rudimental architectures they inhabit.
The different shades of the title, Frantic, refer to the different attitudes behind the act of building a shelter: from the high excitement of children, to a wild activity due to a feeling of fear, from a hurried search for protection, to a rapid and disordered or nervous activity, like the movement of an animal in a cage.

Joanna Piotrowska (Warsaw, Poland, 1985), lives and works in London. She received a BA in Photography at the Academy of Fine Arts, Cracow, in 2009 and a MA in Photography, at the Royal College of Art, London in 2013. In 2015 she was awarded with the Photoworks & Jerwood Award. Her solo exhibitions include: Joanna Piotrowska, Dawid Radziszewski Gallery, Warsaw, 2016; Hester, Southard Reid, London, 2015; How Are You?, Księgarnia | Wystawa, Cracow, 2015; FROWST, Ethnographic Museum, Cracow, 2015; s.w.a.l.k, Project Space, Northern Gallery of Contemporary Art, Sunderland, 2014. Group exhibitions include: Jerwood/Photoworks Awards 2015, Jerwood Space, London, 2015; What love has to do with it, Project Space, Hayward Gallery, London, 2014; Bloomberg New Contemporaries, Institute of Contemporary Arts, London, 2013

Madragoa tem o prazer de apresentar Frantic, a primeira exposição individual de Joanna Piotrowska na galeria.

As crianças pensam que ao fechar ou tapar os olhos tornam-se invisíveis aos outros. Este gesto simples, introvertido, que responde a um desejo instintivo de se esconder, é então projetado no espaço doméstico real, onde se refugiam em pequenos lugares, cobrindo-os para se sentirem protegidas, mas também para definirem os seus primeiros espaços de autonomia e identidade. Desde crianças, que costumávamos esculpir na nossa casa, no nosso quarto, um canto eleito para ser um refúgio para a imaginação e onde construíamos um abrigo, um ambiente acolhedor fora de limites onde pudéssemos sonhar e brincar. Michel Foucault incluiu este tipo de "utopias localizadas" que as crianças conhecem muito bem - como o fundo do jardim, a tenda indiana montada no meio do sótão, ou a grande cama dos pais - sob o conceito mais amplo de heterotopia, reconhecendo nestes "outros" espaços, áreas discretas que marcam interrupções no fluxo espaço-tempo, revelando a natureza ilusória da realidade e minando a coerência dos seus sistemas.

A prática de construção de abrigos não termina totalmente com a infância: tanto em adolescentes como quando adultos continuamos reivindicando um espaço íntimo onde podemos estar sós, ler um livro, ouvir a nossa música favorita, ou simplesmente descansar. No extremo oposto da atitude lúdica e espontânea das crianças, está a construção de refúgios, que é a expressão de uma necessidade urgente para imigrantes e sem-abrigos à procura de um lar nos rasgos do tecido urbano.
O novo projeto de Joanna Piotrowska desenvolve-se a partir de uma reflexão sobre estes vários impulsos e propósitos que levam à construção de barracas provisórias destinadas a proteger-nos, até mesmo em casa, um lugar privado que já devia por si só proporcionar segurança e liberdade.

As fotografias de Frantic documentam uma série de abrigos temporários construídos dentro de diferentes habitações, usando todo o tipo de materiais encontrados nesses mesmos lares. As sessões aconteceram em Lisboa, onde Joanna Piotrowska trabalhou com pessoas locais para construir dentro de seus próprios apartamentos ou jardins uma tenda, um abrigo que poderiam habitar, usando mobiliário para a estrutura e selecionando objetos pessoais para pertencerem aos abrigos. O resultado é uma série de diferentes assemblages ambientais que se assemelham aos seus autores: alguns são sólidos e minimais, alguns são complexos e frágeis, dando a sensação de que podem desabar a qualquer momento. A presença dos seus criadores nestes abrigos, de corpos que mal cabem dentro das estruturas, fazem pensar que estes locais são armadilhas ao invés de lugares de conforto. As fotografias fortalecem esse contraste: a encantadora atmosfera evocada por estas construções efêmeras e absurdas podem tornar-se desconfortáveis com a presença da pessoa. As suas poses desarticuladas e a utilização peculiar que a artista faz do flash, achatando a imagem, transforma os corpos humanos em objetos inanimados, enredados nas arquiteturas rudimentares que habitam.

Os diferentes significados do título da série – Frantic, refere-se às diferentes atitudes por trás do ato de construir um abrigo: desde do grande excitamento das crianças, a uma atividade selvagem proveniente de um sentimento de medo, desde uma procura apressada para proteção, a uma rápida atividade desordenada e nervosa, como o movimento de um animal numa gaiola.

Joanna Piotrowska (Varsóvia, Polônia, 1985), vive e trabalha em Londres. Recebeu um BA em fotografia na Academia de Belas Artes de Cracóvia em 2009 e um mestrado em fotografia, no Royal College of Art em Londres, em 2013. Em 2015 recebeu o prémio Photoworks & Jerwood Award. Exposições individuais incluem: Joanna Piotrowska, Dawid Radziszewski Gallery, Varsóvia, 2016; Hester, Southard Reid, Londres, 2015; How Are You?, Księgarnia | Wystawa, Cracóvia, 2015; FROWST, Museu Etnográfico, Cracóvia, 2015; s.w.a.l.k, Project Space, Northern Gallery of Contemporary Art, Sunderland, 2014. Exposições coletivas incluem: Jerwood/Photoworks Awards 2015, Jerwood Space, Londres, 2015; What love has to do with it, Project Space, Hayward Gallery, Londres, 2014; Bloomberg New Contemporaries, Institute of Contemporary Arts, Londres, 2013.

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
installation view

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
installation view

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
installation view

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
installation view

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
gelatin silver hand print
21,6x27,2 cm

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
gelatin silver hand print
61,9x50,4 cm

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
gelatin silver hand print
27,2x21,6 cm

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
gelatin silver hand print
21,6x27,2 cm

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
gelatin silver hand print
95x120 cm

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
gelatin silver hand print
95x120 cm

Joanna Piotrowska
Frantic
2016
gelatin silver hand print
120x95 cm

SARA CHANG YAN
Escuto o Silêncio, Fala Inteiro e Com Precisão

23 June – 9 September

Madragoa is delighted to present Escuto o Silêncio, Fala Inteiro e Com Precisão, the first solo exhibition by Sara Chang Yan at the gallery.

Sara Chang Yan’s artistic practice is focused on drawing and investigates the spatial potentialities of the sheet of paper, not treated as a two-dimensional surface but as a field that actively responds to her interventions and gestures. Dots, lines, geometrical shapes and clusters of signs, traced by pencil or watercolour, are the transcription of an intimate vision that becomes concrete on the paper support, which is also marked by holes, cuts, and by the removal of thin layers of paper itself. Through this interplay of solids and voids, the artist underlines the lightness and fragility of the material and at the same time, instead of merely considering it as the plane of representation, the sheet is charged with a new sculptural force. Hanging from the ceiling, the drawings inhabit the room and their presence reshapes the space, engaging with viewer in a reciprocal relation with their physical perception. These works on paper act as dynamic, vibrant entities that can be looked at from both sides and, as the viewer moves or the light changes, they reveal unnoticed details and suggest different perspectives. The drawings are not just visual events, but convey also invisible movements, tactile sensations and sound experiences, unveiled by the passage of time. Drawing practice is for Sara Chang Yan an exercise of inner investigation, translated into a vocabulary in which a particular rhythm obtained from a juxtaposition of signs and gestures, shapes and shades, give substance to states, energies and tensions, as well as ephemeral things or abstract concepts. Suspended in their essentiality, the drawings are thin, permeable membranes, marking the passage from an inner dimension to the outside world.

For the exhibition Escuto o Silêncio, Fala Inteiro e Com Precisão, Sara Chang Yan will present a new series of works on paper, focused in particular on the perception of silence, and a wall drawing that will extend through the space of the gallery.

Sara Chang Yan (b. Lisbon, 1982) lives and works in Lisbon. Recent exibitions include: Álibi, EspaçoAZ, Lisbon, 2015; Getting Lost, Fundación Botín, Villa Iris, Santander, 2015; Phonambient Sound Maps, Sonoscopia, Casa da Música, Porto, 2015. In 2015 she was awarded with the Prémio Artes Visuais para Jovens Criadores, Fundação Calouste Gulbenkian. In 2016 she will be participating in Open Sessions 7: Hibernating Plan at the Drawing Center in New York.

A Galeria Madragoa tem o prazer de apresentar Escuto o Silêncio, Fala Inteiro e Com Precisão, a primeira exposição individual de Sara Chang Yan na galeria.

A prática artística de Sara Chang Yan está focada no desenho e investiga as potencialidades espaciais da folha de papel, não o tratando como uma superfície bidimensional, mas como um espaço que responde ativamente às suas intervenções e gestos. Pontos, linhas, formas geométricas e conjuntos de sinais, traçados a lápis ou aguarela, são a transcrição de uma visão que se concretiza no suporte de papel, que também é marcado por buracos, cortes, e pela remoção de finas camadas do próprio papel. Através desta interação entre densidade e vazio, a artista sublinha a leveza e fragilidade do material e ao mesmo tempo, em vez de simplesmente considerá-lo como o plano de representação, a folha é carregada com uma nova força escultural. Pendurados do teto, os desenhos habitam a galeria e a sua presença remodela o espaço, interagindo com o espectador numa relação recíproca à sua perceção física. Estas obras sobre papel operam como entidades dinâmicas e ativas que podem ser observadas de ambos os lados e, quando o observador se move ou a luz muda, revelam novos detalhes e sugerem diferentes perspetivas. Os desenhos não são apenas ocorrências visuais, mas também presumem movimentos invisíveis, sensações tácteis e experiências sonoras, expostas pela passagem do tempo. A prática de desenhar é para Sara Chang Yan um exercício de pesquisa interna, traduzida em um vocabulário, onde um ritmo particular obtido a partir de uma justaposição de sinais, gestos, formas e tons, dá substância a estados, energias e tensões, bem como a entidades efêmeras ou conceitos abstratos. Suspensos na sua essencialidade, os desenhos são finas membranas permeáveis, que marcam a passagem de uma dimensão interior para o mundo exterior.

Para a exposição Escuto o Silêncio, Fala Inteiro e Com Precisão, Sara Chang Yan irá apresentar uma nova série de obras sobre papel, com foco especial sobre a perceção de silêncio.

Sara Chang Yan (Lisboa, 1982) vive e trabalha em Lisboa. Exposicões recentes: Álibi, EspaçoAZ, Lisboa, 2015; Getting Lost, Fundación Botín, Villa Iris, Santander, 2015; Phonambient Sound Maps, Sonoscopia, Casa da Música, Porto, 2015. Em 2015 foi-lhe atribuído o Prémio Artes Visuais para Jovens Criadores, da Fundação Calouste Gulbenkian. Em 2016 irá participar na Open Sessions 7: Hibernating Plan no Drawing Center em Nova Iorque.